6to COM / Arte y Comunicación



 ¿Qué es el arte?


¿Es una pregunta fácil o difícil de responder?

Mirá los siguientes materiales: un texto y tres videos. Después, escribí una síntesis de lo que cada uno propone y redactá un texto explicando qué es para vos el arte.

unl.edu.ar/ingreso/cursos/cac/31oa/












La creación artística y los lenguajes


Sigamos avanzando en los temas. Para eso, retomemos algunos conceptos…
Sabemos que la comunicación es un proceso complejo de intercambio de sentidos y significaciones.

A partir de esa definición, podemos afirmar que el arte es un sistema de comunicación específico, es decir, un sistema particular que los humanos construimos para intercambiar sentidos y significados ligados a las ideas y los sentimientos. Es decir que en ese proceso participan lo intelectual (las ideas) y lo sensorial (los sentidos)
Las piezas artísticas son producto de un proceso creativo condicionado por el contexto histórico (el tiempo), espacial (el lugar) y cultural. Está atravesado por lo político, lo económico, lo social… Por eso no son iguales las producciones artísticas que se realizan en la actualidad en un pueblo de Córdoba que en París; o las del antiguo Egipto a las de la década del 60 en Nueva York; o las del hombre de las cavernas a las de Cuba bajo el sistema socialista.


Es decir que el arte de cada tiempo, lugar y cultura es lo que es por las condiciones de producción de sus piezas artísticas.
¿Y cómo es ese proceso creativo?
Se lo podría graficar con pasos:
1- El artista se enfrenta a su material (pinturas, telas, hojas en blanco, arcilla, sonidos, etc.) y lo confronta con una idea (¿qué quiere expresar, contar?) Hay un diálogo entre el artista, la idea y el material. Muchos dicen que es como una experiencia mística, espiritual…

2- Nace el producto, conocido como “la obra”
3- La obra se difunde, se pone en circulación y se desprende de quien la hizo. Es como si adquiriera vida propia. La obra es lo que es y ya no depende de su autor.
4- Llega al público que la observa, la lee, la escucha, la aprecia, le da un sentido que puede o no ser el mismo que le dio el autor de la obra. Miles de sentidos pueden surgir para la misma pieza artística (¿Qué significado tiene para cada persona que toma contacto con ella?, miles, millones…) Incluso esos significados también pueden cambiar de acuerdo al espacio, lugar y cultura (por ejemplo, ¿mira igual a la Mona Lisa una mujer en el Renacimiento que una mujer del siglo XXI?, ¿le encuentra el mismo significado, le provoca las mismas sensaciones?...)
También es necesario decir que dentro de lo que nosotros denominamos arte hay infinitas posibilidades creativas que dependen de los lenguajes particulares de cada expresión artística (no es lo mismo escribir que pintar, hacer música que cine, modelar una figura que construir un edificio). 
Por eso hablamos de “lenguajes artísticos”, en plural.
Estos son (ojo, es una clasificación y como tal es subjetiva, discutible e incompleta)

-          La LITERATURA. Sus creaciones son las “obras literarias” y el material son las palabras. Se pueden clasificar por origen (literatura argentina, china, latinoamericana, etc.), época (literatura del siglo XV, literatura de la década del 90, etc.) y género (policial, romántica, humorística, dramática, realista, etc.).


-          La MÚSICA

Sus creaciones son “piezas musicales” y el material son los sonidos combinados en un tiempo particular.


-          Las ARTES ESCÉNICAS. Se realizan sobre un escenario. Se incluye:
·         La DANZA. Se trata de movimientos corporales acompañados por música.
El material es el cuerpo. Este lenguaje también se nutre, además de la música, de otros lenguajes como el vestuario, maquillaje y las artes plásticas.
·         El TEATRO. Compone y representa obras dramáticas (del griego “drama” que significa acción).
Como la danza, también necesita del cuerpo, el vestuario, el maquillaje y las artes plásticas. Pero también depende de la literatura, ya que necesita de una obra literaria para representar .



-          El CINE. Es el producto de la sucesión de una serie de fotogramas que se proyectan sobre una pantalla a razón de 24 por segundo (en un segundo deben pasar en la pantalla 24 fotos para que los humanos percibamos la sensación de movimiento).



Como la danza y el teatro también necesita de otros lenguajes artísticos (una película nace a partir de un texto, tiene música, vestuario, maquillaje, peinados, decorados, etc.). Sus producciones se proyectan en una sala oscura.


-          La FOTOGRAFÍA. Se basa en el efecto de la luz sobre una superficie sensible a ella. El proceso se realiza en una cámara oscura.



-          Las ARTES PLÁSTICAS. Acá se encuentran:
·         El DIBUJO
Trazo o línea sobre una superficie con lápiz, tinta o carbonilla.

·         La PINTURA
Se coloca pintura sobre cualquier superficie –incluida la piel por eso acá podrían entrar los tatuajes- creando imágenes, figurativas o abstractas, con óleos, acrílicos, témperas, acuarelas y pasteles.


·         La ESCULTURA


Se da forma tridimensional, con volumen –alto, ancho y profundidad- abstracta o figurativa, a un objeto que se moldea –arcilla, yeso- , talla –madera- o vacía –fundido de metales.


·         La ARQUITECTURA

Diseña y crea edificios.

-         




   Las ARTES EFÍMERAS (duran poco tiempo). En este grupo se encuentran:
·         La MODA
El diseño de vestuarios, la confección de prendas que incluyen ropas y accesorios como sombreros, guantes, carteras, zapatos, bolsos, cintos, anteojos, etc.

·         La PELUQUERÍA

El arte de dar forma al pelo.







·         El MAQUILLAJE


El arte de dar color y luz a la piel.

·         La PERFUMERÍA

El arte de mezclar esencias para producir una fragancia agradable.





·         La GASTRONOMÍA  El arte de mezclar y preparar alimentos para producir texturas y gustos agradables.



Todos los lenguajes artísticos pueden ser organizados y clasificados por origen (música india, comida italiana, pintura holandesa) y época (literatura antigua, cine de la década del 20, peinados del siglo XXI)

Algunos de ellos pueden clasificarse por género (dramático, humorístico, romántico, policial, punk, rock, cuarteto, etc.)

Las vanguardias estéticas (Primera parte)

Todos los lenguajes artísticos poseen reglas, postulados a seguir.

Pero, numerosos artistas, de todo tipo de lenguajes, rompen con los estilos impuestos en la época en la que viven.

Cuando marcan nuevas tendencias y de alguna manera se agrupan con otros que van por el mismo camino forman una vanguardia. Aplicadas al arte se conocen como vanguardias estéticas

¿Qué es una vanguardia?

•      El término surge del ámbito militar. Se usó para identificar a la parte de una fuerza armada que va delante del cuerpo principal. Está constituida por las primeras líneas de la formación de combate. De allí surge el término

•      Avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico

•      Algo novedoso que escapa de la tendencia dominante y que podría sentar las bases del desarrollo futuro

•      Supone una renovación  de formas y contenidos. Intenta reinventar sus bases y se enfrenta a los movimientos existentes

•      Al principio, es minoritaria y suele generar rechazo por parte de los círculos tradicionalistas

•      Lucha contra las tradiciones, apuesta por la innovación y el ejercicio de la libertad individual

•      Es experimental

El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad o para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.

Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.

Tomando literalmente, el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro.

Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural.

Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzada de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas porque implicaba ansia transformadora de la sociedad.

A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la Primera Guerra Mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo.

También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobre todo la aparición de un documento literario como pieza clave en muchos movimientos de vanguardia “El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine.

¿Por qué surgieron?

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la Segunda y la Tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas

A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas.

Por eso los impresionistas inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.

A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo XX lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.

¿Cuáles movimientos artísticos fueron vanguardias?

Siempre toda clasificación es incompleta y arbitraria. Nosotros observaremos el desarrollo y características sólo de algunos movimientos vanguardistas.

Inicialmente los recorreremos desde la perspectiva de las artes plásticas para más adelante descubrirlos en la fotografía, la música y el cine.

Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910)

El Impresionismo fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, no buscaba el rechazo del público, sino plantear una nueva manera de captar la realidad. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.

El Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender.

En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente.

Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión. Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo, requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del amanecer, el reflejo de la luz en un edificio en la caída del sol, la luz reflejada sobre el río a medio día.

Esa es la razón por la que las obras impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y por tanto, fueron despreciadas.

Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el 

Georges Seurat

Neoimpresionismo o Puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.

 



Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas.

Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Tahití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba.

Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.

 

Paul Gaugain

Toulouse-Lautrec
Vincent Van Gogh

Claves

•      En la segunda mitad del siglo XIX en Europa 

•      Fugacidad, superficies borrosas y vaporosas

•      La luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa

•      Pintaban el momento de luz, más allá de las formas

•      Pintaban las realidades del mundo que los rodeaba usando colores brillantes y saturados

•      Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

 

Fauvismo (o Fovismo) 1905 / 1907

Matisse
El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.

 

Derain

Claves

•      Pintaban con una gran libertad y se caracterizaron por ubicar al color en primer plano

•      Usaban colores puros y arbitrarios

•      Vuelven su mirada al arte primitivo y oriental

•      Reciben influencias de Gauguin, Van Gogh y Cézanne

•      Veían a la realidad desde el interior y la subjetividad

Cubismo 1907 / 1914.

Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro.

Pablo Picasso

Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.

 

Braque

Claves

•      En vez de reproducir la apariencia de las cosas procuraban llegar a su esencia formal.

•      Geometrizaron las formas, usaron colores planos

•      Mostraron la realidad no como se ve sino como se piensa

Juan Gris

Expresionismo 1905/1913

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.

Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (El puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (El jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.

Ernst Kirchner


Emil Nolde

Claves

•      Alemania

•      Utilizaban el mundo exterior para mostrar el mundo interior

•      Rechazan las tradiciones y la representación realista de la naturaleza

•      Rechazan la Primera Guerra Mundial

•      Las obras de arte son un medio de expresión y comunicación

•      Reciben influencias de El Greco, Goya, Van Gogh, Gauguin

 

Franz Marc

Dadaísmo 1915/1922.

El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristán Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. 

Marcel Duchamp

Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, Max Ernst y el fotógrafo Man Ray.

Max Ernst 

  

Francis Picabia

•     Rechazo al belicismo y sus consecuencias

•      El absurdo y la incoherencia son modos de reacción ante el caos y la destrucción

•      No importa la obra de arte si no el gesto

•      El objetivo era destruir a la obra de arte

 

Surrealismo 1924/1939

Salvador Dalí
Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmund Freud aportaron base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística.
René Magritte

Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y Marc Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. 

Marc Chagall

Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp.

Joan Miró



Paul Klee



Parte fundamental esta tendencia fue la escultura de Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, Max Ernst y Man Ray.

 

Claves

•      Los surrealistas afirmaron la autonomía de la imaginación y concibieron al arte como una representación de la psiquis humana

 

Vanguardias estéticas (Segunda parte)

En esta clase continuamos haciendo un recorrido por los movimientos vanguardistas del siglo XX.

SEGUNDA VANGUARDIA 1945-1970

Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.

Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático.

La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.

Arte Cinético

Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura.

Eusebio Sempere

Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento y a Marcel Duchamp respectivamente.

Pop Art

Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel.

Andy Warhol

Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy pocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Lichteinstein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney

 

Roy Lichteinstein

Arte Conceptual

Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente.


Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco consiente y acrítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.


 

Happenings

Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de arte.

Allan Kaprow

Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que habían asistido.

 

Body Art


El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman

 

Land Art.

Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude.

Christo y Jeanne-Claude

 

Actividad 

1.    Deberás realizar una producción de 5 fotos donde apliques las vanguardias vistas en clase, junto a los elementos técnicos de la fotografía.  Las mismas deben ser originales (pensadas y realizadas por vos) y acordes a la línea estética de la/s vanguardia/s abordada/s.

a.    Podés elegir una vanguardia y hacer las 5 fotos bajo sus parámetros. 

b.    Otra alternativa es trabajar con 2 vanguardias diferentes para realizar tu producción (podés realizar 2 de una vanguardia, 3 de otra vanguardia).

c.    Deberás incluir un título para cada imagen y un breve texto en cada fotografía, contando el nombre de la vanguardia, características de la misma que quisiste destacar y qué aspectos técnicos fotográficos tuviste en cuenta a la hora de realizarla. Ejemplo: “Alucinación” - Vanguardia surrealista. Quise explorar la producción de imágenes simbólicas, como extraídas de un sueño. Utilicé primer plano para resaltar al sujeto y al objeto que tiene en su mano, una luz nadir para resaltar sus rasgos y transmitir sensación de irrealidad, ángulo normal)



 Aquí van algunos tips:

·         Podés editar todas las imágenes. 

·         No “estires” la foto para que cubra la diapositiva… 

·         No agregues efectos de transiciones o animaciones que nos puedan distraer del objetivo: las fotos tomadas por vos.

Criterios para evaluar

  • La presentación en tiempo y en forma. 
  • La aplicación práctica en cada fotografía, de los conceptos vistos en las clases de las dos materias.
  • La originalidad en cada fotografía. La creatividad a la hora de elaborar cada toma.
  • La novedad en cada fotografía (deben ser fotos tomadas para este práctico)
  • La prolijidad visual en cada diapositiva y que esté completa (título, descripción)

 ¿Dónde debo entregarlo?

Deberás compartir tu álbum de fotos con los dos docentes: Marcelo: compromo2021@gmail.com . Alejandra: profealebeinotti@gmail.com


Espacios de circulación del arte


Como vimos anteriormente, la creación artística es un proceso comunicativo. Por lo tanto, independientemente del lenguaje que se trate, la producción artística sólo tiene sentido cuando se concreta el encuentro de la obra de arte con su público.
Frente a la diversidad de lenguajes, también hay múltiples espacios con características específicas, que posibilitan que se produzca ese proceso comunicativo.

Museos
Características: Pueden ser espacios abiertos o cerrados, públicos, privados o mixtos.
En este caso, estas instituciones adquieren, exhiben, difunden, investigan, conservan y/o restauran obras de arte.
Hay museos de todo tipo pero nosotros nos enfocamos en los museos de arte.

Objetivos: Buscan educar y deleitar a quienes los visitan.
Ejemplos: Casa Museo Lino Enea Spilimbergo, Unquillo
Museo Emilio Caraffa, ciudad de Córdoba
Museo del Louvre, París, Francia

Galerías de arte
Características: En sus estructuras y formas de administración pueden ser similares a los museos.
Generalmente las galerías son privadas, aunque también pueden ser públicas.
Estas instituciones están pensadas para exhibir y promocionar obras y artistas vinculados a las artes plásticas. Pero fundamentalmente apuntan a vender obras, a generar un mercado de arte.
Objetivos: Exhibir, difundir y fundamentalmente vender obras.
Ejemplos: 852 Casa de Artistas, Unquillo
Cerrito Galería de Arte, ciudad de Córdoba
Esther Arias Galería de Arte, Barcelona, España

Centros culturales
Características: Por lo general tienen dos ejes: la producción y exhibición de espectáculos (obras de teatro o títeres, concierto, etc.) y la capacitación (dictan cursos, talleres, seminarios, etc.)
Objetivos: Producir, difundir y educar
Ejemplos: Casa de la Cultura, Unquillo
Centro Cultural Recoleta, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Centro Cultural España Córdoba, ciudad de Córdoba

Bibliotecas
Características: Son los espacios de encuentro principalmente con la literatura. Muchas son populares, abiertas a todos los públicos y edades, y apuntan a promover la lectura. Generalmente prestan libros a sus socios o permiten la consulta bibliográfica en sus salas. Varias bibliotecas promueven la difusión de otros lenguajes cuando realizan charlas, proyectan películas o pequeños recitales de música entre otras actividades.

Objetivos: Difundir, promover
Ejemplos: Biblioteca Popular Sarmiento, Unquillo
Biblioteca Popular Cawana, Unquillo

Teatros
Características: Salas destinadas a la presentación de obras vinculadas a las artes escénicas, es decir que requieren un escenario para ser exhibidas (teatro, danza, música).
Hay salas teatrales públicas y privadas
Objetivos: Exhibir obras escénicas. Vender, generar ingresos económicos para los artistas
Ejemplos: Cine Teatro Municipal, Unquillo
Teatro del Libertador General San Martín, ciudad de Córdoba
Teatro Colón, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Cines
Características: Salas acondicionadas para la proyección de obras cinematográficas.
Generalmente son salas cerradas. En algunas épocas también funcionaron salas al aire libre a las que se ingresaba con automóviles y eran conocidas como “autocines”.
La propiedad generalmente es privada aunque hay algunas salas estatales como en el caso de Argentina que cuenta con una red de cines en todo el país conocida como “Espacios INCAA” que pertenecen al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
Objetivos: Proyectar películas

Ejemplos: Cine Teatro Municipal, Unquillo
Red de cines Showcase

Ferias
Características: Espacios abiertos o cerrados, donde se habilitan distintos puestos para la exhibición y venta de diversas producciones artísticas y/o artesanales.
Objetivos: Exhibir y/o vender
Ejemplos: Feria de artesanos, plaza de Río Ceballos
Paseo de las Artes, ciudad de Córdoba
Feria del Rastro, Madrid, España


Festivales
Características: Jornadas de encuentro, difusión, promoción e intercambio entre artistas y de ellos con sus públicos. Generalmente se realizan durante varios días. Las obras que se presentan están organizadas en una grilla que establece lugares, días y horarios de exhibición. Es un espacio que puede afectar a distintos lenguajes artísticos como el cine, el teatro, la música, los títeres, la literatura, entre otros
Objetivos: Intercambiar, difundir, promover
Ejemplos: Festival de Teatro de Córdoba
Festival de Cine de Mar del Plata
Cosquín Rock

Recitales
Características: Un clásico de la música, pero que también puede ser usado por otros lenguajes como la literatura.
Su principal valor es generar el  encuentro entre artistas y público en espacios abiertos o cerrados.
Objetivos: Difundir, vender

Ejemplos: Cosquín Rock
Recitales literarios (lectura en vivo de producciones literarias)
Espectáculos musicales en vivo de cualquier género

Pubs, restaurantes y bares temáticos
Características: Son espacios gastronómicos que tienen una impronta particular vinculada a un lenguaje artístico. Promueven el encuentro de artistas con sus públicos cuando se realizan espectáculos en vivo (música, teatro, lectura de poesía, etc.) o exhiben en sus paredes y vitrinas producciones artísticas (cuadros, esculturas, fotografías, objetos vinculados a artistas o lenguajes particulares)
Objetivos: Difundir, vender

Ejemplos: Estación Güemes (música en vivo), ciudad de Córdoba
El Capitán (bar temático de cine) Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Desfiles
Características: Generalmente se utilizan para difundir las tendencias de la moda, el vestuario y/o maquillaje.
Sobre una pasarela se presentan modelos humanos vestidos, peinados y/o maquillados para exhibir colecciones de ropa, calzado, accesorios, etc.
Objetivos: exhibir, vender
Ejemplos: Milan Fashion Week
Paris Fashion Week

Fiestas populares
Características: Muchas festividades tradicionales son una gran vidriera para los artistas. Estas fiestas que involucran la participación popular también son eventos artísticos que pueden comprometer a músicos, actores, bailarines, artistas plásticos, etc.

Objetivos: Exhibir, difundir
Ejemplos: Carnaval de Río de Janeiro, Brasil
Conmemoración Día de los Muertos en México

La calle
Características: Es el ámbito más democrático de todos. La calle puede ser vista como un gran espacio de exhibición, promoción, venta y/o encuentro de los artistas con sus públicos, donde no se cobra entrada y todos pueden acceder.
Afecta a todos los lenguajes artísticos.
Acá podemos ver murales; puestos de artesanías; exhibición y venta de cuadros o fotos; bailarines, cantantes, actores, etc.

Objetivos: Exhibir, difundir, vender

Ejemplos: Todas las calles del mundo son potenciales espacios para el encuentro con la más variada cantidad de expresiones artísticas

Actividad

Metodología de trabajo: 
Se realiza en grupos de a dos.

Consigna: 
De acuerdo al espacio de circulación del arte que te asignaron los profes, investigar y elegir uno. Con preferencia de ubicación en la zona, en Córdoba o Argentina.
Del ese espacio que elijan, investiguen características, la historia, ubicación, especificidad del espacio (¿qué lo distingue de otros espacios del mismo lenguaje artístico?). 
Con esa información, realizar una presentación en power point o programa similar, para exponer oralmente. Agregar imágenes representativas.
No deben superar las 3/4 diapositivas.

Grupos Burbuja 2:
1. Tavolaro - Villaverde: Teatros
2. Rizzi - Estela: Galerías de arte
3. Roldán - Cañete: Centros culturales.
4. Boscatto - Nicolosi: Museos
5. Ricioppo - Diani: Ferias
6. Cornejo - Gaia: Festivales
7. Díaz - Martinez Dalke: Recitales
8. Monti - Moreno: La calle

Exposición:
Expondrán oralmente en la clase del miércoles 30 de junio (tanto si es virtual como presencial)

Nota: Por favor, tener a mano el material para mostrar, o enviar a los docentes por mail hasta el martes 29 de junio a la noche.




Clase 1 ¿Qué es el arte?

¿Es una pregunta fácil o difícil de responder?

Mirá los siguientes materiales: un texto y tres videos. Después, escribí una síntesis de lo que cada uno propone y redactá un texto explicando qué es para vos el arte.

unl.edu.ar/ingreso/cursos/cac/31oa/











Clase 3

La creación artística y los lenguajes


Hola, ¿cómo están?. Sigamos avanzando en los temas. Para eso, retomemos algunos conceptos…
Sabemos que la comunicación es un proceso complejo de intercambio de sentidos y significaciones.

A partir de esa definición, podemos afirmar que el arte es un sistema de comunicación específico, es decir, un sistema particular que los humanos construimos para intercambiar sentidos y significados ligados a las ideas y los sentimientos. Es decir que en ese proceso participan lo intelectual (las ideas) y lo sensorial (los sentidos)
Las piezas artísticas son producto de un proceso creativo condicionado por el contexto histórico (el tiempo), espacial (el lugar) y cultural. Está atravesado por lo político, lo económico, lo social… Por eso no son iguales las producciones artísticas que se realizan en la actualidad en un pueblo de Córdoba que en París; o las del antiguo Egipto a las de la década del 60 en Nueva York; o las del hombre de las cavernas a las de Cuba bajo el sistema socialista.


Es decir que el arte de cada tiempo, lugar y cultura es lo que es por las condiciones de producción de sus piezas artísticas.
¿Y cómo es ese proceso creativo?
Se lo podría graficar con pasos:
1- El artista se enfrenta a su material (pinturas, telas, hojas en blanco, arcilla, sonidos, etc.) y lo confronta con una idea (¿qué quiere expresar, contar?) Hay un diálogo entre el artista, la idea y el material. Muchos dicen que es como una experiencia mística, espiritual…

2- Nace el producto, conocido como “la obra”
3- La obra se difunde, se pone en circulación y se desprende de quien la hizo. Es como si adquiriera vida propia. La obra es lo que es y ya no depende de su autor.
4- Llega al público que la observa, la lee, la escucha, la aprecia, le da un sentido que puede o no ser el mismo que le dio el autor de la obra. Miles de sentidos pueden surgir para la misma pieza artística (¿Qué significado tiene para cada persona que toma contacto con ella?, miles, millones…) Incluso esos significados también pueden cambiar de acuerdo al espacio, lugar y cultura (por ejemplo, ¿mira igual a la Mona Lisa una mujer en el Renacimiento que una mujer del siglo XXI?, ¿le encuentra el mismo significado, le provoca las mismas sensaciones?...)
También es necesario decir que dentro de lo que nosotros denominamos arte hay infinitas posibilidades creativas que dependen de los lenguajes particulares de cada expresión artística (no es lo mismo escribir que pintar, hacer música que cine, modelar una figura que construir un edificio). 
Por eso hablamos de “lenguajes artísticos”, en plural.
Estos son (ojo, es una clasificación y como tal es subjetiva, discutible e incompleta)

-          La LITERATURA. Sus creaciones son las “obras literarias” y el material son las palabras. Se pueden clasificar por origen (literatura argentina, china, latinoamericana, etc.), época (literatura del siglo XV, literatura de la década del 90, etc.) y género (policial, romántica, humorística, dramática, realista, etc.).


-          La MÚSICA

Sus creaciones son “piezas musicales” y el material son los sonidos combinados en un tiempo particular.


-          Las ARTES ESCÉNICAS. Se realizan sobre un escenario. Se incluye:
·         La DANZA. Se trata de movimientos corporales acompañados por música.
El material es el cuerpo. Este lenguaje también se nutre, además de la música, de otros lenguajes como el vestuario, maquillaje y las artes plásticas.
·         El TEATRO. Compone y representa obras dramáticas (del griego “drama” que significa acción).
Como la danza, también necesita del cuerpo, el vestuario, el maquillaje y las artes plásticas. Pero también depende de la literatura, ya que necesita de una obra literaria para representar .

-          El CINE. Es el producto de la sucesión de una serie de fotogramas que se proyectan sobre una pantalla a razón de 24 por segundo (en un segundo deben pasar en la pantalla 24 fotos para que los humanos percibamos la sensación de movimiento).



Como la danza y el teatro también necesita de otros lenguajes artísticos (una película nace a partir de un texto, tiene música, vestuario, maquillaje, peinados, decorados, etc.). Sus producciones se proyectan en una sala oscura.
-          La FOTOGRAFÍA. Se basa en el efecto de la luz sobre una superficie sensible a ella. El proceso se realiza en una cámara oscura.



-          Las ARTES PLÁSTICAS. Acá se encuentran:
·         El DIBUJO
Trazo o línea sobre una superficie con lápiz, tinta o carbonilla.

·         La PINTURA
Se coloca pintura sobre cualquier superficie –incluida la piel por eso acá podrían entrar los tatuajes- creando imágenes, figurativas o abstractas, con óleos, acrílicos, témperas, acuarelas y pasteles.
·         La ESCULTURA


Se da forma tridimensional, con volumen –alto, ancho y profundidad- abstracta o figurativa, a un objeto que se moldea –arcilla, yeso- , talla –madera- o vacía –fundido de metales.
·         La ARQUITECTURA

Diseña y crea edificios.

-         




   Las ARTES EFÍMERAS (duran poco tiempo). En este grupo se encuentran:
·         La MODA
El diseño de vestuarios, la confección de prendas que incluyen ropas y accesorios como sombreros, guantes, carteras, zapatos, bolsos, cintos, anteojos, etc.

·         La PELUQUERÍA

El arte de dar forma al pelo.







·         El MAQUILLAJE

El arte de dar color y luz a la piel.

·         La PERFUMERÍA
El arte de mezclar esencias para producir una fragancia agradable.





·         La GASTRONOMÍA  El arte de mezclar y preparar alimentos para producir texturas y gustos agradables.



Todos los lenguajes artísticos pueden ser organizados y clasificados por origen (música india, comida italiana, pintura holandesa) y época (literatura antigua, cine de la década del 20, peinados del siglo XXI)

Algunos de ellos pueden clasificarse por género (dramático, humorístico, romántico, policial, punk, rock, cuarteto, etc.)


Actividad 3

1- Elegí un lenguaje artístico (el que más te gusta o te llama la atención) y profundizá en sus características generales (¿de qué se trata el lenguaje, qué lo diferencia de otros, cuándo nació, cómo se fue desarrollando a lo largo del tiempo, qué tecnología usa, cómo son su producciones, etc.?)
2- Investigá las particularidades creativas de un artista de ese lenguaje (por ejemplo, si elegí la música averiguo sobre Bob Marley ¿quién fue, cómo fue su obra, qué características específicas tiene, qué lo diferencia de las obras de otros, cómo influyó sobre otros y en el contexto histórico, social en el que se difundió su obra, etc.?)
3- Con esa información realizá un informe que puede ser escrito (con la formalidad de las normas APA), audiovisual (un corto), auditivo (un programa de radio, por ejemplo), visual (un mural digital, un infográfico –en estos casos se pueden incluir enlaces a videos, canciones, etc.) o cualquier otro formato que vos propongas (previa consulta con el profesor)

Modalidad de entrega: por mail
Fecha de entrega: hasta el 18 de mayo


Clase 4

Espacios de circulación del arte


Como vimos anteriormente, la creación artística es un proceso comunicativo. Por lo tanto, independientemente del lenguaje que se trate, la producción artística sólo tiene sentido cuando se concreta el encuentro de la obra de arte con su público.
Frente a la diversidad de lenguajes, también hay múltiples espacios con características específicas, que posibilitan que se produzca ese proceso comunicativo.
Museos
Características: Pueden ser espacios abiertos o cerrados, públicos, privados o mixtos.
En este caso, estas instituciones adquieren, exhiben, difunden, investigan, conservan y/o restauran obras de arte.
Hay museos de todo tipo pero nosotros nos enfocamos en los museos de arte.

Objetivos: Buscan educar y deleitar a quienes los visitan.
Ejemplos: Casa Museo Lino Enea Spilimbergo, Unquillo
Museo Emilio Caraffa, ciudad de Córdoba
Museo del Louvre, París, Francia

Galerías de arte
Características: En sus estructuras y formas de administración pueden ser similares a los museos.
Generalmente las galerías son privadas, aunque también pueden ser públicas.
Estas instituciones están pensadas para exhibir y promocionar obras y artistas vinculados a las artes plásticas. Pero fundamentalmente apuntan a vender obras, a generar un mercado de arte.
Objetivos: Exhibir, difundir y fundamentalmente vender obras.
Ejemplos: 852 Casa de Artistas, Unquillo
Cerrito Galería de Arte, ciudad de Córdoba
Esther Arias Galería de Arte, Barcelona, España

Centros culturales
Características: Por lo general tienen dos ejes: la producción y exhibición de espectáculos (obras de teatro o títeres, concierto, etc.) y la capacitación (dictan cursos, talleres, seminarios, etc.)
Objetivos: Producir, difundir y educar
Ejemplos: Casa de la Cultura, Unquillo
Centro Cultural Recoleta, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Centro Cultural España Córdoba, ciudad de Córdoba

Bibliotecas
Características: Son los espacios de encuentro principalmente con la literatura. Muchas son populares, abiertas a todos los públicos y edades, y apuntan a promover la lectura. Generalmente prestan libros a sus socios o permiten la consulta bibliográfica en sus salas. Varias bibliotecas promueven la difusión de otros lenguajes cuando realizan charlas, proyectan películas o pequeños recitales de música entre otras actividades.

Objetivos: Difundir, promover
Ejemplos: Biblioteca Popular Sarmiento, Unquillo
Biblioteca Popular Cawana, Unquillo

Teatros
Características: Salas destinadas a la presentación de obras vinculadas a las artes escénicas, es decir que requieren un escenario para ser exhibidas (teatro, danza, música).
Hay salas teatrales públicas y privadas
Objetivos: Exhibir obras escénicas. Vender, generar ingresos económicos para los artistas
Ejemplos: Cine Teatro Municipal, Unquillo
Teatro del Libertador General San Martín, ciudad de Córdoba
Teatro Colón, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Cines
Características: Salas acondicionadas para la proyección de obras cinematográficas.
Generalmente son salas cerradas. En algunas épocas también funcionaron salas al aire libre a las que se ingresaba con automóviles y eran conocidas como “autocines”.
La propiedad generalmente es privada aunque hay algunas salas estatales como en el caso de Argentina que cuenta con una red de cines en todo el país conocida como “Espacios INCAA” que pertenecen al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
Objetivos: Proyectar películas

Ejemplos: Cine Teatro Municipal, Unquillo
Red de cines Showcase

Ferias
Características: Espacios abiertos o cerrados, donde se habilitan distintos puestos para la exhibición y venta de diversas producciones artísticas y/o artesanales.
Objetivos: Exhibir y/o vender
Ejemplos: Feria de artesanos, plaza de Río Ceballos
Paseo de las Artes, ciudad de Córdoba
Feria del Rastro, Madrid, España


Festivales
Características: Jornadas de encuentro, difusión, promoción e intercambio entre artistas y de ellos con sus públicos. Generalmente se realizan durante varios días. Las obras que se presentan están organizadas en una grilla que establece lugares, días y horarios de exhibición. Es un espacio que puede afectar a distintos lenguajes artísticos como el cine, el teatro, la música, los títeres, la literatura, entre otros
Objetivos: Intercambiar, difundir, promover
Ejemplos: Festival de Teatro de Córdoba
Festival de Cine de Mar del Plata
Cosquín Rock

Recitales
Características: Un clásico de la música, pero que también puede ser usado por otros lenguajes como la literatura.
Su principal valor es generar el  encuentro entre artistas y público en espacios abiertos o cerrados.
Objetivos: Difundir, vender

Ejemplos: Cosquín Rock
Recitales literarios (lectura en vivo de producciones literarias)
Espectáculos musicales en vivo de cualquier género

Pubs, restaurantes y bares temáticos
Características: Son espacios gastronómicos que tienen una impronta particular vinculada a un lenguaje artístico. Promueven el encuentro de artistas con sus públicos cuando se realizan espectáculos en vivo (música, teatro, lectura de poesía, etc.) o exhiben en sus paredes y vitrinas producciones artísticas (cuadros, esculturas, fotografías, objetos vinculados a artistas o lenguajes particulares)
Objetivos: Difundir, vender

Ejemplos: Estación Güemes (música en vivo), ciudad de Córdoba
El Capitán (bar temático de cine) Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Desfiles
Características: Generalmente se utilizan para difundir las tendencias de la moda, el vestuario y/o maquillaje.
Sobre una pasarela se presentan modelos humanos vestidos, peinados y/o maquillados para exhibir colecciones de ropa, calzado, accesorios, etc.
Objetivos: exhibir, vender
Ejemplos: Milan Fashion Week
Paris Fashion Week

Fiestas populares
Características: Muchas festividades tradicionales son una gran vidriera para los artistas. Estas fiestas que involucran la participación popular también son eventos artísticos que pueden comprometer a músicos, actores, bailarines, artistas plásticos, etc.

Objetivos: Exhibir, difundir
Ejemplos: Carnaval de Río de Janeiro, Brasil
Conmemoración Día de los Muertos en México

La calle
Características: Es el ámbito más democrático de todos. La calle puede ser vista como un gran espacio de exhibición, promoción, venta y/o encuentro de los artistas con sus públicos, donde no se cobra entrada y todos pueden acceder.
Afecta a todos los lenguajes artísticos.
Acá podemos ver murales; puestos de artesanías; exhibición y venta de cuadros o fotos; bailarines, cantantes, actores, etc.

Objetivos: Exhibir, difundir, vender

Ejemplos: Todas las calles del mundo son potenciales espacios para el encuentro con la más variada cantidad de expresiones artísticas



Actividad 4

1- Elegí un espacio de circulación del arte específico, de cualquier tipo y de cualquier lugar del mundo. Averiguá sobre sus características, historia, etc.
Con esos datos, diseñá un folleto digital o cualquier otra pieza publicitaria creativa que tenga como objetivo la difusión de ese espacio
Fecha de entrega: 2 de julio

Actividad 5

2- Investigá y armá una guía digital de los espacios de circulación de arte que se encuentran en la zona de Sierras Chicas donde se puedan ver imágenes y leer datos como ubicación, características particulares, lenguajes artísticos que involucra, propiedad (pública o privada), horarios de atención y cualquier otro dato que te resulte interesante

Fecha de entrega: a definir al regreso de las vacaciones

Clase 5 (Segunda Parte)
Espacios de circulación del arte

¡Hola! ¿Cómo están? Espero que, a pesar de la realidad difícil, hayan podido disfrutar de este período de vacaciones. Seguramente fue un tiempo distinto al que todos estábamos acostumbrados. Pero, lo importante es haber podido descansar y volver con energías renovadas.

Los acompaño especialmente a ustedes en las sensaciones que estarán sintiendo porque todavía no hay un horizonte claro de regreso a las aulas. Pero ¡ánimo! Seguramente ya vendrán tiempos mejores. Lo importante ahora es estar, no perder el contacto entre ustedes y con nosotros los profes, que puedan expresar cuando quieran lo que piensan. Siempre al poder contar con otros ayuda a pasar lo momentos difíciles.

Vamos a la clase ahora

Retomamos el tema “Espacios de circulación del arte” para realizar la segunda actividad que había quedado pendiente. Es decir, hacer la guía de los espacios de arte que hay en Sierras Chicas



PARA TENER EN CUENTA

-          Revisen la clase completa. Como verán en la lista, los espacios son muchos más que los museos o galerías de arte…

-          Piensen en el diseño de una guía que le pueda servir a un turista o a los que vivimos en esta región y queremos recorrer distintos circuitos artísticos. El formato es libre. En Publisher, por ejemplo, hay diversas plantillas que pueden servir. Seguramente ustedes conocen otros programas que pueden ser útiles para diseñar este tipo de publicaciones…

-          Cuando hablamos de Sierras Chicas incluimos a todos los pueblos y ciudades que se ubican entre La Calera y La Granja. Es una zona muy amplia donde hay muchísimos espacios culturales. Investiguen en Internet, no se queden con los primeros datos que encuentren.


FECHA DE ENTREGA: Lunes 10 de agosto


 Clase 6

Las vanguardias estéticas (Primera parte)

Todos los lenguajes artísticos poseen reglas, postulados a seguir.

Pero, numerosos artistas, de todo tipo de lenguajes, rompen con los estilos impuestos en la época en la que viven.

Cuando marcan nuevas tendencias y de alguna manera se agrupan con otros que van por el mismo camino forman una vanguardia. Aplicadas al arte se conocen como vanguardias estéticas

¿Qué es una vanguardia?

•      El término surge del ámbito militar. Se usó para identificar a la parte de una fuerza armada que va delante del cuerpo principal. Está constituida por las primeras líneas de la formación de combate. De allí surge el término

•      Avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico

•      Algo novedoso que escapa de la tendencia dominante y que podría sentar las bases del desarrollo futuro

•      Supone una renovación  de formas y contenidos. Intenta reinventar sus bases y se enfrenta a los movimientos existentes

•      Al principio, es minoritaria y suele generar rechazo por parte de los círculos tradicionalistas

•      Lucha contra las tradiciones, apuesta por la innovación y el ejercicio de la libertad individual

•      Es experimental

El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad o para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.

Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.

Tomando literalmente, el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro.

Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural.

Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzada de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas porque implicaba ansia transformadora de la sociedad.

A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la Primera Guerra Mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo.

También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobre todo la aparición de un documento literario como pieza clave en muchos movimientos de vanguardia “El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine.

¿Por qué surgieron?

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la Segunda y la Tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas

A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas.

Por eso los impresionistas inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.

A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo XX lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.

¿Cuáles movimientos artísticos fueron vanguardias?

Siempre toda clasificación es incompleta y arbitraria. Nosotros observaremos el desarrollo y características sólo de algunos movimientos vanguardistas.

Inicialmente los recorreremos desde la perspectiva de las artes plásticas para más adelante descubrirlos en la fotografía, la música y el cine.

Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910)

El Impresionismo fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, no buscaba el rechazo del público, sino plantear una nueva manera de captar la realidad. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.

El Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender.

En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente.

Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión. Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo, requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del amanecer, el reflejo de la luz en un edificio en la caída del sol, la luz reflejada sobre el río a medio día.

Esa es la razón por la que las obras impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y por tanto, fueron despreciadas.

Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el 

Georges Seurat

Neoimpresionismo o Puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.

 



Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas.

Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Tahití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba.

Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.

 

Paul Gaugain

Toulouse-Lautrec
Vincent Van Gogh

Claves

•      En la segunda mitad del siglo XIX en Europa 

•      Fugacidad, superficies borrosas y vaporosas

•      La luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa

•      Pintaban el momento de luz, más allá de las formas

•      Pintaban las realidades del mundo que los rodeaba usando colores brillantes y saturados

•      Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

 

Fauvismo (o Fovismo) 1905 / 1907

Matisse
El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.

 

Derain

Claves

•      Pintaban con una gran libertad y se caracterizaron por ubicar al color en primer plano

•      Usaban colores puros y arbitrarios

•      Vuelven su mirada al arte primitivo y oriental

•      Reciben influencias de Gauguin, Van Gogh y Cézanne

•      Veían a la realidad desde el interior y la subjetividad

Cubismo 1907 / 1914.

Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro.

Pablo Picasso

Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.

 

Braque

Claves

•      En vez de reproducir la apariencia de las cosas procuraban llegar a su esencia formal.

•      Geometrizaron las formas, usaron colores planos

•      Mostraron la realidad no como se ve sino como se piensa

Juan Gris

Expresionismo 1905/1913

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.

Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (El puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (El jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.

Ernst Kirchner


Emil Nolde

Claves

•      Alemania

•      Utilizaban el mundo exterior para mostrar el mundo interior

•      Rechazan las tradiciones y la representación realista de la naturaleza

•      Rechazan la Primera Guerra Mundial

•      Las obras de arte son un medio de expresión y comunicación

•      Reciben influencias de El Greco, Goya, Van Gogh, Gauguin

 

Franz Marc

Dadaísmo 1915/1922.

El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristán Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. 

Marcel Duchamp

Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, Max Ernst y el fotógrafo Man Ray.

Max Ernst 

  

Francis Picabia

•     Rechazo al belicismo y sus consecuencias

•      El absurdo y la incoherencia son modos de reacción ante el caos y la destrucción

•      No importa la obra de arte si no el gesto

•      El objetivo era destruir a la obra de arte

 

Surrealismo 1924/1939

Salvador Dalí
Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmund Freud aportaron base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística.
René Magritte

Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y Marc Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. 

Marc Chagall

Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp.

Joan Miró



Paul Klee



Parte fundamental esta tendencia fue la escultura de Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, Max Ernst y Man Ray.

 

Claves

•      Los surrealistas afirmaron la autonomía de la imaginación y concibieron al arte como una representación de la psiquis humana

 

Actividad 6

Elegí a una vanguardia y a un pintor en particular. Investigá en su biografía y en el análisis de sus obras.

Realizá un texto de una página o una infografía que de: el motivo por el cual elegiste a esa vanguardia y artista; la vida y obra del artista elegido; y una pequeña galería de imágenes con sus obras más representativas o que a vos te resulten más interesantes.

Fecha de entrega: lunes 24 de agosto

Clase 7
Vanguardias estéticas (Segunda parte)
 

En esta clase continuamos haciendo un recorrido por los movimientos vanguardistas del siglo XX.

SEGUNDA VANGUARDIA 1945-1970

Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.

Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático.

La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.

Arte Cinético

Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura.

Eusebio Sempere

Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento y a Marcel Duchamp respectivamente.

Pop Art

Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel.

Andy Warhol

Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy pocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Lichteinstein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney

 

Roy Lichteinstein

Arte Conceptual

Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente.


Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco consiente y acrítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.


 

Happenings

Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de arte.

Allan Kaprow

Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que habían asistido.

 

Body Art


El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman

 

Land Art.

Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude.

Christo y Jeanne-Claude

 

Actividad 7 integrada con Producción en Lenguajes

¡Hola chicos y chicas! ¿Cómo están? Esperamos que se encuentren bien y avanzando a paso seguro en estas semanas! Con mucha expectativa, les contamos que decidimos llevar adelante una actividad en conjunto para que puedan poner en práctica los conocimientos adquiridos en torno a vanguardias y fotografía. Un desafío interesante que los llevará a explorar desde la originalidad y creatividad cómo se integran los temas ya vistos en cada espacio curricular. ¿Listos? ¡Vamos!




En Producción en Lenguajes, abordamos en las últimas tres clases, aspectos puntuales que tienen que ver con la técnica en la fotografía, sus elementos primordiales y las posibilidades de expresión que nos brinda este soporte. Vas a tener que revisar nuevamente esas clases y tus producciones realizadas (junto a las correcciones que te he realizado), para reforzar; por ejemplo,  la importancia de aplicar un encuadre o plano correcto, la incidencia de la luz, la capacidad expresiva que tiene ésta junto a los colores… entre muchas otras cosas más que fuimos desarrollando en estas semanas.



En Arte y Comunicación, abordamos las vanguardias estéticas, los distintos movimientos que, utilizando los recursos de cada lenguaje buscaron romper los esquemas establecidos, irrumpir en el ambiente con algo novedoso, original, provocativo. Si bien para hacer el abordaje tuvimos en cuenta especialmente a la pintura y en algunos casos a la escultura, estas vanguardias también tuvieron su correlato en la fotografía (y en el cine también aunque eso lo veremos más adelante…). 


Te sugerimos que busques ejemplos de estas vanguardias aplicadas a la fotografía para orientar tu trabajo (¡pero no para copiar las ideas!)

 

 

Actividad integradora: 

1.    Deberás realizar una producción de 6 fotos donde apliques las vanguardias vistas en clase, junto a los elementos técnicos de la fotografía.  Las mismas deben ser originales (pensadas y realizadas por vos) y acordes a la línea estética de la/s vanguardia/s abordada/s.

a.    Podés elegir una vanguardia y hacer las 6 fotos bajo sus parámetros. 

b.    Otra alternativa es trabajar con 2 o hasta 3 vanguardias diferentes para realizar tu producción (podés realizar 2 de una vanguardia, 2 de otra vanguardia y las últimas 2 de otra vanguardia) Incluso, en la misma fotografía podés mezclar dos vanguardias.

c.    Deberás incluir un título para cada imagen y un breve texto en cada fotografía, contando el nombre de la vanguardia, características de la misma que quisiste destacar y qué aspectos técnicos fotográficos tuviste en cuenta a la hora de realizarla. Ejemplo: “Alucinación” - Vanguardia surrealista. Quise explorar la producción de imágenes simbólicas, como extraídas de un sueño. Utilicé primer plano para resaltar al sujeto y al objeto que tiene en su mano, una luz nadir para resaltar sus rasgos y transmitir sensación de irrealidad, ángulo normal)



 

 ¿Cómo debo entregar las actividades?

En un álbum de fotos que deberás crear para esta clase integradora. Deberá contar con una portada a modo de carátula de tu trabajo. Luego 6 diapositivas, en cada una incluirás 1 foto, más la breve explicación pedida. (fuente arial 10)

Aquí van algunos tips:

·         Podés editar todas las imágenes. 

·         No “estires” la foto para que cubra la diapositiva… 

·         No agregues efectos de transiciones o animaciones que nos puedan distraer del objetivo: las fotos tomadas por vos.

¿Qué vamos a evaluar?

  • La presentación en tiempo y en forma. 
  • La aplicación práctica en cada fotografía, de los conceptos vistos en las clases de las dos materias.
  • La originalidad en cada fotografía. La creatividad a la hora de elaborar cada toma.
  • La novedad en cada fotografía (deben ser fotos tomadas para este práctico)
  • La prolijidad visual en cada diapositiva y que esté completa (título, descripción)

 ¿Cuándo debo entregarlo?

Tenés tiempo hasta el 07 de Septiembre para el envío. Deberás compartir tu álbum de fotos con los dos docentes: Marcelo: comunicacioncys5@gmail.com . Alejandra: beinotti@gmail.com


Clase 8
El lenguaje cinematográfico (o audiovisual)


¡Hola chicas y chicos! Desde el comienzo de este ciclo trabajamos la definición de arte y la vinculamos con la comunicación, recorrimos los distintos lenguajes artísticos y los espacios donde las producciones llegan al contacto con el público.

Después, analizamos que los lenguajes no son lineales sino que experimentan transformaciones radicales en sus lenguajes y por eso hicimos un breve recorrido por las vanguardias estéticas.

Hoy comenzamos a trabajar sobre un lenguaje específico: el cinematográfico.

Este tema nos conecta automáticamente con Producción en Lenguajes. Por eso, a partir de las próximas clases haremos muchas cosas complementando las dos materias.

Para empezar, los invito a ver el siguiente corto:

 

¿De qué se trata este lenguaje?

Para responder a esta pregunta retomo la definición dada por la profe. Alejandra Beinotti en Producción en Lenguajes.

Se define al Lenguaje audiovisual como: 

“La conjugación de la imagen con el sonido mediante una transformación técnica  que opera sobre la realidad que reproducimos generando un relato que constituye una nueva realidad” 

Es decir que hay cine porque es posible sumar la imagen (en movimiento) con el sonido a través de un dispositivo tecnológico.

A partir de esta posibilidad técnica, el artista construye su obra…

Pero, además, este lenguaje tiene la particularidad de sumar y enriquecerse de otros lenguajes como la música, el teatro, la fotografía, las artes visuales, la literatura y las artes efímeras...

Por lo tanto el cine supone un trabajo en equipo donde el director funciona como un “director de orquesta” que coordina a otros numerosos artistas.

Retomo a la profe Beinotti: “El “audiovisual” transita entre los sentidos y sensibilidades de quienes crean, los realizadores, y de quienes reciben, los espectadores. 

El “mundo audiovisual” es una representación de la realidad, y gracias a su lenguaje el público logra comprender lo que ve, creando un lazo afectivo. Aceptan con normalidad las situaciones más increíbles y variadas como viajes por el espacio, ataques extraterrestres, superhéroes, viajes por el tiempo, caídas imposibles y cruentas guerras. Crea cercanía e identificación con historias simples o complejas, con amores románticos, dramas humanos y comedias absurdas”.

 



En definitiva el cine nos invita a múltiples sensaciones y emociones. Cuando vemos una película pensamos, lloramos, tememos, bailamos, cantamos, reímos, entristecemos, sentimos vértigo, amor, odio, preocupación y hasta aburrimiento…

Pocos lenguajes pueden provocar tanto en una sola obra…


Por otra parte, hoy vemos mucho cine en casa pero, desde su nacimiento en el lejano 1895, el cine significó también todo un acontecimiento social. La gente se “preparaba” (aún hoy lo hacemos) para ir a la sala cinematográfica. El espacio no era sólo para ir a ver una película sino también para encontrarse con otras personas especialmente en los pueblos y en las pequeñas ciudades…

Muchas historias se iniciaron en esos salones oscuros atravesados por el haz de luz del proyector. Amores nuevos, desilusiones, encuentros de amigos…



Por todos estos motivos, la actividad 8 es:

-    Preguntar a las personas cercanas a vos (por lo menos cinco) ¿qué significa el cine para ellos? y ¿qué recuerdos tienen relacionados a él? A las respuestas las podés grabar en un audio o hacer un video.

-       Después, escribí una breve reflexión relacionada a las respuestas.

Enviar el audio o el video y el texto por mail.

 

Fecha de entrega: 28 de septiembre


Clase 9
Los pioneros del cine

El cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos.

Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumiere hasta el cine digital del siglo XXI.

Por otro, también se modificó el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género lo que posibilitó el desarrollo de nuevas posibilidades de contar historias.

En tercer lugar, el cine evolucionó con la sociedad que dejan huellas en los movimientos cinematográficos y las cinematografías nacionales.

Las posibilidades hacia el futuro son también infinitas…

Pero, la propuesta de hoy consiste en regresar al tiempo de los orígenes del cine y para ello apelamos a los pioneros

 



Lumiere y Méliès – Los pioneros

La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo.

Hermanos Lumiere

La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX. 

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine al patentar el kinetoscopio que solo permitía funciones muy limitadas.

Inspirándose en éste e integrándolo a diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves instantes, al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente, hasta que se logra la sensación del movimiento), los hermanos Lumiere, crearon el cinematógrafo.

El dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento.

La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica (propiedad de los mismos Lumière), y la de un tren (en la estación de La Ciotat) que parecía abalanzarse sobre los espectadores, que reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento.

La llegada del tren

Es decir que las temáticas de los Lumiere circularon en torno a pasajes de la vida cotidiana. Quienes aparecen en esos filmes no son actores sino personas reales (obreros, familias, autoridades gubernamentales, etc.) haciendo cosas reales (salir del trabajo, comer, tomar el té, inaugurar una obra…)

Tiempo después lograron el primer film con argumento: “El regador regado”, un corto cómico que cuenta una historia sencilla, casi una anécdota.

En cuanto al manejo técnico también era muy sencillo: cámara fija, plano general, ángulo normal.

El regador regado

Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria. Pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales lo dio George Méliès, “el mago”.

Georges Méliès

Era un ilusionista que en principio usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, para luego comenzar a explorar las novedosas potencialidades que el nuevo medio tenía. Nació así la idea de la ficción, la posibilidad de contar historias que no podían darse en la realidad.


Su obra más conocida es “El viaje a la luna” (1902).

Los efectos especiales fueron su fuerte pero también incorporó otros elementos: el guión (la escritura simple y previa de una historia), la actuación (trabajó especialmente con actores y actrices provenientes del teatro), la potencialidad de la comunicación no verbal (gestos, movimientos del cuerpo como aspectos expresivos), la escenografía (construyó el primer estudio cinematográfico, elaboró fondos y escenarios novedosos), el vestuario, el maquillaje, el peinado…


En términos técnicos también incluyó innovaciones: variedad de planos, idea de montaje. No obstante, la cámara continuó fija y la angulación también.

De esta manera, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa y América Latina.

En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples y, tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata.

Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator.

En estos primeros tiempos surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época). El género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.

Te invito ahora a ver un corto producido y realizado por estudiantes primarios que refleja muy bien las características de este cine, el de los pioneros…

 


 Actividad 9 (Compartida con Producción en Lenguajes)

-Buscá y mirá las películas realizadas por los hermanos Lumiere y Georges Méliès

-Escribí un texto analizando los siguientes aspectos (y cualquier otro que quieras contar):

Hermanos Lumiere: ¿qué películas viste?, ¿qué situaciones muestran?, ¿quiénes son sus personajes, cómo son, qué hacen?, ¿hay música, con qué fines se la utiliza?

Estos cortos son registros documentales, es decir, muestran la realidad de un momento histórico… ¿qué características tienen esas realidades? (vestimenta, peinados, costumbres, tradiciones, rol de la mujer y del hombre, objetos que usan, elementos del ambiente, etc.)

¿Qué recursos técnicos utilizan? (plano, ángulo, etc.)

Georges Méliès: ¿qué películas viste?, ¿cuáles son sus argumentos?, ¿quiénes son los personajes centrales?, ¿qué recursos de actuación observás? (comunicación no verbal), ¿cómo están vestidos, maquillados, etc.?, ¿hay música, con qué fines se la utiliza?, ¿hay textos, con qué fines se los utiliza?, ¿qué efectos especiales se usan?, ¿qué efectos quieren producir en el espectador?, ¿qué recursos técnicos se utilizan?

-Buscá en YouTube (u otra plataforma) un fragmento de no más de 3 minutos de la película que elegiste para realizar la actividad de la clase 9 de Producción en Lenguajes donde se vean distintos planos, ángulos y movimientos de cámara. Copiá y pegá el enlace en el documento y brevemente contame lo que analizaste al respecto

 Fecha de entrega (a los dos mails) Martes 13 de octubre

 

 

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